Archivio
Marco Scotini da Milano
La tua nuova ritualità quotidiana…
Una sorta di teatro il cui copione è scritto da qualcun altro. Le interdizioni sono molte di più delle possibilità d’azione. Una sorta di decalogo a cui siamo costretti ad attenerci. Come non uscire, cosa indossare, cosa è severamente vietato fare, come rimanere totalmente disinformati, come essere travolti dal terrore, come fare della separazione il massimo valore sociale, come diffidare di qualunque altro, come gridare all’untore, all’emigrato, alla persona di colore… Potrei fermarmi qui. Se non che, in questo teatro, a volte si cerca brechtianamente di estraniarsi, di togliersi la maschera. E ci succede anche di pensare, di leggere qualche pagina memorabile, di scriverne qualcuna passabile, di guardare qualche bella immagine di un film che avremmo sempre voluto vedere.
Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Non è cambiato solo il modo di lavorare ma la vita come tale. Se quella di prima non era vera, questa sappiamo che è totalmente contraffatta. Se c’è una parola che vorrei abolire dal linguaggio internazionale è l’attributo inglese “smart” per quanto mi appare criminale… la smart city è un carcere perfetto, lo smartphone ci rende stupidamente compulsivi e, dello smart working, è meglio non parlare. Quello che mi ha veramente provato in questa esperienza è stato, di fatto, come il dramma sanitario sia stato l’occasione di un profluvio di inarrestabili retoriche sul potere dell’intelligenza artificiale, sull’impossibilità di frenare, di concepire un limite. La macchina è perfetta e gli algoritmi non consentono errori…
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
Sto facendo esperienza di cose a cui stavo pensando da un pò di tempo. Il viverle in negativo le rende urgenti, necessarie: l’interdipendenza tra le cose umane ed extra-umane, una natura ripensata radicalmente dentro di noi e non come un fuori, l’orrore della cultura patriarcale, il diritto universale a respirare – come proprio ora ha scritto qualcuno.
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
La mia biblioteca! Purtroppo sono rimasto bloccato nella mia casa di Milano, mentre conservo la biblioteca nella casa di Cortona. Ogni biblioteca non è un cumulo ingente di libri ma uno spazio pieno di fantasmi, una ricchezza di presenze che ci sono e non ci sono. Vite infami, misteriose, condensate: cellule, microcosmi, unità indivisibili, opportunità mancate. Togliere libri da uno scaffale e metterli in un altro, può significare cambiare un ordine alla storia. Aggiungere un semplice libro in quello stesso scaffale magari comporta il fatto di stravolgerne il senso. Raccoglierne alcuni apparentemente eterogenei vuol dire creare un nuovo senso. Ogni libro ci rimanda a un tempo, a una figura, a uno spazio. Ad un passato, ad un presente, a un futuro. L’insieme cartaceo sta per un mondo di possibilità, di anacronismi, è il caos (umano, troppo umano) che ci piace abitare e dove non corri il rischio di ritrovarti solo.
Come immagini il mondo, quando tutto ripartirà?
Difficile immaginarlo! Il sonno della ragione ha generato sempre mostri. E noi stiamo vivendo una delle pagine peggiori del capitolo neoliberista, autoritario, repressivo e neufeudale. Non so se finirà un giorno lo stato di eccezione… Addirittura: se non lo capovolgeremo sarà permanente.
Marco Scotini è un curatore italiano di base a Milano. È direttore artistico di FM Centro per l’Arte Contemporanea. Dal 2004 è direttore del dipartimento di Arti Visive e Studi Curatoriali di NABA (Milano e Roma) e dal 2014 è responsabile del programma espositivo del Parco d’Arte Vivente (PAV) di Torino. Ha curato il Padiglione Albanese alla Biennale di Venezia (2015), tre edizioni di Prague Biennale, Anren Biennale (2017) e la Seconda Yinchuan Biennale (2018).
Giu30
Marco Tonelli da Spoleto (PG)
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
Non so se si possa ancora parlare di un “noi” generalizzato e condiviso, come fosse un sistema o un organismo più o diversamente consapevole, ma di certo la soggettività occidentale ha risentito di questa ultima scossa, che è durata troppo poco per cambiare la struttura dello spazio e del tempo. Però ci ha dato la possibilità di viverli e immaginarli diversamente. Credo che questa possibilità, toccata con mano, ci abbia lasciato un segno, destinato a manifestarsi in futuro, come le crepe sui muri o le incrinature di un vetro. Abbiamo riscoperto, se mai ce ne fosse stato bisogno, la nostra fragilità, debolezza e paura.
Stiamo capendo che si può vivere con meno mobilità?
A livello privato questo è stato il benessere di cui abbiamo più goduto: rallentamento dei ritmi, sospensione temporanea del nomadismo, spesso nevrotico e incontrollato, durante le nostre relazioni sociali e/o professionali. La qualità di una persona non può essere data solo dal suo presenzialismo, dai suoi mezzi economici che lo facilitano nello spostamento, ma da ciò che uno ha da dire. Non insomma da quanto si vede o quanto parla, ma da cosa dice. Tornare ai contenuti del discorso, dell’opera d’arte, della scrittura sarebbe una salutare pandemia per spazzare la retorica del pensiero vuoto e mercenario.
Ad oggi quali sono state per te le conseguenze immediate della diffusione del Covid-19 sul tuo lavoro e quali pensi possano essere le conseguenze a lungo termine?
Avere ancora più consapevolezza della necessità di pensare e vivere in modo diverso, non adeguandosi a quel ritmo, quasi obbligato, in cui la contemporaneità iperconnessa, politically correct, trasparente, alla portata di tutti, ci impone per essere. Mentre in realtà, sfruttando questi pur nobili concetti, si portano avanti pensieri omologanti, di mercato, apparenza, moda, opportunismo del momento. Se vogliamo la conseguenza più immediata che poi riguarda il lungo termine è semplicemente comprendere ancor più a fondo che essere contemporanei qui e adesso non vale niente se non si è, prima ancora, consapevoli del passato e con una visione rivolta al futuro.
Marco Tonelli (Roma, 1971). Dopo Laurea, Specializzazione e Dottorato di Ricerca, la sua attività si è divisa tra incarichi istituzionali (Responsabile ufficio mostre Quadriennale di Roma, Assessore alla cultura del Comune di Mantova e attualmente Direttore artistico di Palazzo Collicola a Spoleto) e di docenza presso Accademie di Belle Arti. Ha curato progetti legati alla scultura presso Palazzo Ducale a Mantova o all’arte urbana per la Fondazione Museo di Montelupo Fiorentino, concentrando le sue ricerche su artisti come Pino Pascali, Leoncillo, Francis Bacon (dei quali ha scritto monografie e saggi) o su contemporanei come Fabrizio Plessi. Ultimi progetti realizzati: la mostra Paolo Canevari: Materia scura presso Palazzo Collicola e il libro La scultura di Alberti Burri: opera inversa (1978-1992) pubblicata dalla Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri.
www.palazzocollicola.it
Giu25
Martina Cavallarin da Venezia
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
Ho letto in questo periodo Lo Studiolo, di Giorgio Agamben. Lo Studiolo era la piccola stanza in cui il principe si ritirava per meditare o leggere, circondato da quadri e oggetti che amava in modo speciale. Ma in questione, lì, non è uno spazio privato, ma un’altra esperienza del tempo, che concerne ciascuno di noi. Ecco, oggi in questo tempo sospeso per la prima volta ho sentito di vivere nello spazio anziché nel tempo, ma forse si tratta solo di vivere un’altra esperienza del tempo.
Stiamo capendo che si può vivere con meno mobilità?
L’essere umano vive nel tempo mentre dovrebbe vivere nello spazio, dovrebbe riuscire a sganciarsi dall’affanno del trascorrere per srotolare energie in una dimensione davvero propositiva. Utopico pensare di scindere le due cose, eppure auspicabile giacché, in transito nel nunc, potremmo cercare di ambientarci nell’hic.
Mi sembra, questo, del d. C. (dopo Coronavirus), un tempo ucronico. Ucronia s. f. [dal francese uchronie (voce coniata dal filosofo Charles Renouvier nel 1876), der., con u- di utopie «utopia», dal gr. χρόνος «tempo, periodo di tempo»], raro. – Sostituzione di avvenimenti immaginari a quelli reali di un determinato periodo o fatto storico. Ora siamo obbligati a ripensare a tutto quello che di negativo e di positivo abbiamo sperimentato e scoperto durante questo tempo estremo; un tempo vissuto nella sospensione di futuro e passato, ora che il presente si è fermato. Abbiamo alle spalle un passato da correggere e davanti ci si prospetta un futuro a rischio. Stiamo vivendo il cambiamento in una contrazione temporale inedita, inaudita e inattesa. Ci siamo arrivati per causa di forze maggiori: l’imprevedibile ci ha raggiunto in modo repentino e drammatico, e ora ci obbliga a rinegoziare il nostro patto con la sopravvivenza e con il progresso. Due orizzonti che oggi più di ieri si mostrano contrapposti e non allineati.
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
L’artista contemporaneo è in stato di moto, il movimento iniziato con il motore modernista prosegue; la metafora dell’erranza si ritrova anche nell’opera Horses Running Endlessly di Gabriel Orozco. Il transito del passante nello spazio urbano è comparato alla mossa del cavallo negli scacchi. Vivo a Venezia e conosco bene questo faticoso transito. La devastante rapacità della politica ha portato un turismo inetto, bulimico, spregiudicato, inconsapevole, tremendamente massificato. Ecco, tra tempo e spazio, mi sono sentita catapultata nell’assenza della mossa del cavallo; e non mi manca.
Martina Cavallarin. Critica d’arte, curatrice indipendente e saggista, si occupa di Arti Visive contemporanee con uno sguardo che spazia tra differenti linguaggi e necessarie contaminazioni. Progetta e cura mostre internazionali e pubblica libri e cataloghi distribuiti in Italia e all’estero. L’interesse della sua ricerca si focalizza sull’indagine dei sistemi relazionali e sociali attraverso progetti artistici e formativi che coinvolgono la cultura contemporanea e la sfera umana. Svolge corsi e workshop a l’Accademia di Belle Arti di Venezia, e allo IED Istituto Europeo di Design sede di Venezia. Nel 2019 è curatore di 10 X 100 Fabbrica d’arte contemporanea, un progetto Arte / Impresa della Giovanardi spa e a Venezia fonda e dirige STUDIO Contemporary Art. Nel 2020 è chiamata a presiedere e dirigere l’Associazione culturale 5400K SPERIMENTAZIONE ARTE E DESIGN. È membro della commissione promossa dall’Assessorato alla Cultura di Treviso per la costruzione, ristrutturazione e programmazione del Bailo, Museo Civico d’Arte Moderna e Contemporanea.
https://www.museicivicitreviso.it/it/le-collezioni/museo-luigi-bailo/museo-luigi-bailo
Giu23
Giorgia Severi da Cervia (RA)
La tua nuova ritualità quotidiana…
In verità la mia quotidianità non è stata significativamente stravolta dal Covid perché vivo in una situazione già leggermente isolata, ossia nella mia azienda agricola in campagna dove sto trasferendo anche lo studio che ora è a qualche decina di km da qui. Rispetto al mio lavoro artistico, il lockdown mi ha proibito di lavorare sul paesaggio in ambiente montano o lontano com’è mio solito fare quindi ho continuato a lavorare ad una serie di arazzi sui quali medito da tempo, ho dedicato molto alla messa a punto della mia opera più grande dedicata all’azione antropica sul paesaggio, la mia azienda agricola, che si è confermata non solo una piccola economia di sussistenza, ma un’isola felice, sana, un microcosmo di resilienza, resistenza, autonomia e libertà. Il Covid-19 mi ha confermato che la scelta è stata giusta. Se non fosse stato per la necessità di alcuni materiali di lavoro e alcune commissioni che ci costringevano ad uscire, noi qui non ci saremmo nemmeno accorti di cosa stava accadendo fuori. Devo ringraziare Joseph Beuys che studiavo in accademia, e ha impresso dentro di me l’idea che l’uomo non possa assolutamente essere separato dalla natura e dalla cultura.
Con quali oggetti e spazi del tuo quotidiano stai interagendo di più?
Trascorro molto tempo all’aperto in campagna nella nostra proprietà, lavorando e facendo ricerca come sempre sulla natura, le piante e il paesaggio. Come dicevo sto portando avanti una serie di opere, dei grandi arazzi che richiedono molto tempo e talvolta lascio decantare per poterli vedere con occhi più puliti la volta successiva. Quindi vivo tra casa, studio, azienda agricola e l’ufficio studio.
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
Cosa mi manca? L’“estroflessione”, la direzione verso l’esterno e soprattutto la dinamica di progetto in corso d’opera e in divenire in un luogo che mi interessa per questioni geologiche o per problematiche ambientali. Sono abituata a viaggiare e spostarmi molto, quindi in questo momento sento fortemente il radicamento, che non disdegno, ma se posso dire che mi manca qualcosa è l’avventura che ogni progetto lontano mi porta a respirare e sperimentare, visto che ogni volta è un’incognita per motivazioni metereologiche e logistico-ambientali dovute al fatto che si sta lavorando sul paesaggio in maniera attiva, performativa e reale.
Giorgia Severi indaga sul paesaggio inteso come declinazione antropica dell’ambiente naturale pre-esistente. Il suo lavoro è una continua archiviazione di porzioni di paesaggi che stanno andando scomparendo per come li conosciamo ora, o modificandosi molto velocemente per motivi geologici, surriscaldamento terrestre e per azione antropica, come ghiacciai e catene montuose, foreste, deserti e paesaggi dell’uomo stessi intesi come pratiche culturali legate all’ambiente. Questa catalogazione infinita avviene attraverso la realizzazione di calchi e frottage di superfici lapidee o lignee, registrazioni audio e video in ambiente, installazioni e performance.
L’ultimo progetto realizzato ed ancora in corso è ABOUT THE CREATION, iniziato nel 2019 con la più recente serie di opere ROCCA PENDICE dedicate ai Colli Euganei veneti, la serie di arazzi iniziata durante una residenza in collaborazione con Università Cà Foscari di Venezia continua nella realizzazione di grandi arazzi realizzati inizialmente in situ direttamente sulle pareti di roccia, che rappresentano la geologia del luogo, quindi la sua avvenuta, ossia la sua natura, e la sua disfatta in riferimento a ghiacciai che si sciolgono raffigurando, con disegno e cuciture, catene montuose che colano, in un’estetica cruda e grafica che richiama gli antichi arazzi. www.giorgiaseveri.com
Giu23
Carla Sala da Treviso
Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Penso che uno degli aspetti più negativi dell’evoluzione del sistema dell’arte negli ultimi anni sia stato il rendere le relazioni tra gli operatori troppo frenetiche, con il rischio di cadere nella superficialità e mettere in secondo piano le attività di doverosa ricerca scientifica e confronto che presiedono a ogni progetto curatoriale. Durante i giorni di lockdown sono riuscito a prendermi il giusto tempo per lo studio e l’aggiornamento, ritrovando un metodo di lavoro che, nel suo stesso processo, presupponesse l’errore e la continua messa in crisi delle proprie certezze consolidate, magari aprendosi agli strumenti analitici offerti da discipline che esulano dal nostro settore per tentare di adottare uno sguardo “laterale” sulle questioni affrontate.
Musei e gallerie hanno reagito al momento con la digitalizzazione e la virtualità. Quali sono le tue “strategie” per instaurare nuove relazioni?
Questa crisi ha dimostrato come l’offerta digitale del sistema museale italiano nel suo complesso fosse fortemente arretrata. Sono un grande amante dei podcast culturali e quando guido in macchina per andare al lavoro spesso mi ascolto delle conferenze o le letture di romanzi contemporanei, ma nelle prime settimane di lockdown ho percepito molti contenuti come effimeri, mossi più dal narcisismo dei loro autori che da una vera volontà di indagine dove a farla da padrone era la medialità in quanto tale e non il contenuto. Per questo le conversazioni che come Fondazione Fabbri abbiamo promosso sui nostri canali social, in occasione del Festival F4 / Un’idea di fotografia, volevano essere un po’ in controtendenza: ai format brevi abbiamo contrapposto degli approfondimenti sul lavoro degli artisti coinvolti per creare dei contenuti durevoli. I temi affrontati con i vari autori (tra cui Christian Fogarolli, Discipula, Irene Fenara, The Cool Couple e Emilio Vavarella) volevano essere i tasselli di un’unica riflessione corale sullo statuto, la funzione e gli aspetti sociali e politici dell’immagine contemporanea in previsione dell’uscita in autunno di un testo teorico che li raccolga.
Con quali oggetti e spazi del tuo quotidiano stai interagendo di più?
Nella casa in provincia di Treviso dove ho passato gli ultimi mesi ho la fortuna di avere una biblioteca fornita, di conseguenza l’oggetto “principe” che ha scandito le giornate è stato il libro. Specie nella prime settimane, ho provato il gusto di sfogliare per ore i cataloghi di autori che non hanno nessuna attinenza con i progetti in corso, mosso dal puro piacere di osservare un’immagine e scrutarla in un tempo dilatato, quasi che dovesse manifestare delle epifanie inaspettate alla persistenza dello sguardo.
L’altro oggetto fondamentale – che mi pone in uno stato d’animo dicotomico rispetto al primo – è il computer utilizzato per scrivere, registrare conversazioni, partecipare a talk e tenere le lezioni universitarie e con il passare delle settimane, questo e gli altri strumenti tecnologici che mi hanno connesso al mondo, sono diventati necessari al punto da sembrare gli oggetti di un nuovo culto animistico; ma attendo con ansia il momento in cui abiurare questa “fede” e immergermi nuovamente nel vortice caotico della realtà.
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
Se da un lato le tante letture e riflessioni mi hanno reso una dimensione meditativa, dall’altro mi manca la percezione diretta dell’opera d’arte e la sua auraticità; ho sempre pensato che la fruizione della cultura sia un fattore tanto mentale quanto fisico-sensoriale che, nell’unità di questi due aspetti, può condurre a continue scoperte.
Di certo il luogo di cui sento più la mancanza è Venezia, una città in cui si può vagare senza una meta, lasciarsi guidare dai piccoli segni della sua morfologia che stratifica tempi e culture differenti. Durante le passeggiate notturne, quando scompare la folla dei turisti, puoi perderti tra calli e campi mosso da un sentimento multiforme che alterna libertà a lieve smarrimento, quiete a eccitazione.
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
La voglia di compiere piccoli gesti quotidiani, ma essenziali, che di solito nella routine lavorativa si perdono. Ho passato molto tempo in giardino a curare le piante e osservarne ammaliato la mutazione con l’arrivo della primavera in una gamma cromatica che di solito sfugge alla nostra attenzione; mi sono ricordato di come le ritualità che scandiscono i nostri affetti vadano difese strenuamente; ho dato spazio a una curiosità onnivora – a tratti rapsodica e dispersiva – che mi ha portato a sondare mille questioni; infine, ho riflettuto su quali progetti e ricerche concentrare le mie energie future.
Carlo Sala (Treviso, 1984), critico d’arte, curatore e docente al Master IUAV in Photography a Venezia.
È curatore della Fondazione Francesco Fabbri Onlus per cui si occupa della direzione artistica del Festival F4 / UN’IDEA DI FOTOGRAFIA, di cui è in corso la decima edizione, e della curatela del Premio Francesco Fabbri per le Arti Contemporanee. È direttore artistico di Photo Open Up – Festival internazionale di Fotografia promosso dal comune di Padova. Ha curato, tra gli altri, progetti espositivi per la 12. Mostra internazionale di Architettura, People meet in architecture, Biennale di Venezia, il MUFOCO | Museo di Fotografia Contemporanea e il MART – museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto.
Suoi saggi e testi critici sono apparsi in varie pubblicazioni edite da Allemandi, Marsilio, Mimesis, Bruno Mondandori, Silvana Editoriale e Skira.
www.fondazionefrancescofabbri.it
photopenup.com
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