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Alessia Locatelli da Novate Milanese (MI)
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
Credo che più che sull’assenza la mia esperienza personale si possa inscrivere maggiormente all’interno di alcune mancanze. Sono una persona estremamente attiva e solare di conseguenza la prima privazione è quella relativa all’ambiente esterno, il contatto con la natura utile all’equilibrio psicofisico di ognuno di noi, chi più chi meno. Mi manca il mare. Vorrei tantissimo non risiedere in Lombardia bensì in una città di mare. Dopodiché sento la mancanza della possibilità di visitare le mostre, magari in compagnia, il contatto con le altre persone, gli amici ed i famigliari. E forse mi mancano le belle discussioni dalla teoria fotografica… alla sociologia, discorsi anche profondi che scaturiscono spontaneamente quando hai la possibilità di una relazione dialettica e diretta con le persone. Non fraintendetemi, gli strumenti che abbiamo oggi posizione si sono rivelati meravigliosamente utili per permetterci di affrontare questo momento continuando a lavorare, anzi aumentando la quantità di cose da fare, ma la mia forma mentis fatica ad adeguarsi a questa interconnessione di reti virtuali, prediligendo sempre il contatto umano.
Quando tutto questo finirà: una cosa da fare e una da non fare mai più.
Una cosa da fare a livello globale sarà cercare di trovare, nel nostro ambito, soluzioni di mediazione tra le molte ed interessanti risorse on-line che si sono moltiplicate in questo periodo e la necessità di ristabilire quella relazione diretta tra le persone e la fruizione delle opere.
Quello che invece spero non accada mai più, ora che si torna verso la “normalità” (cos’è poi questa normalità?) riguarda le donne, e lo dico in qualità di direttore artistico della Biennale della Fotografia Femminile. Spero che le donne lavoratrici possano godere delle stesse opportunità di scelta tra casa e carriera senza discriminazione di genere, come nel resto d’Europa, e che questa circostanza non riporti il Paese indietro di 50 anni.
Avrei voluto che questo momento diventasse per tutti occasione di riflessione e – perché no – di decrescita. Viviamo nel surplus e questa poteva essere un’occasione di riflessione sul non-necessario. Avrei voluto venisse affrontato in modo serio e costruttivo tutto il tema legato alla produzione ed allo smart working ed a tutte le implicazioni che questo può avere anche in ambito ecologico. Abbiamo respirato aria pulita, sarà un peccato tornare ad infestare i nostri polmoni (studi interessanti dal punto di vista scientifico hanno sondato le possibili relazioni tra l’inquinamento della Lombardia al fatto che il Covid-19 abbia creato qui maggiori decessi). Sono molto triste per questa occasione sprecata.
Sono nati nuovi luoghi e spazi alternativi di coesione intorno a te? (pensiamo alle corti dei palazzi, ai terrazzi, ecc…)
Dall’inizio della reclusione, dal terrazzo in un cortile accanto al mio condominio, un giovane DJ ogni sera, alle 18 ed alle 21, mette musica di genere vario e tiene alto il morale di tutti in un abbraccio emotivo che solo la musica è capace di regalare in modo così diffuso. Mi piace questo momento che permette di ritrovarsi per cantare, uscire sul balcone, salutare i vicini, condividere.
Ad oggi quali sono state per te le conseguenze immediate della diffusione del Covid-19 sul tuo lavoro e quali pensi possano essere le conseguenze a lungo termine?
Per la Biennale della fotografia femminile (BFF) è stato molto complesso gestire il cambiamento derivato dall’emergenza. Il foto festival di Mantova avrebbe a marzo 2020 aperto l’anno e, di conseguenza, è stato il primo Festival di settore a dover affrontare una serie di decisioni difficilissime. Le mostre già stampate, un catalogo stampato e un investimento importante in termini di tempo, risorse del Team e comunicazione. Abbiamo imparato ed approfittato come tutti dei servizi offerti dalla tecnologia, proponendo nei nostri canali Social le BFFPills: ogni settimana pubblichiamo, attraverso avvincenti narrazioni empatiche, i 12 progetti fotografici ospitati alla Biennale della fotografia femminile mostrando on line le immagini. Inoltre proponiamo ogni fine settimana la BFFGoesLive: interviste live nei fine settimana in Instagram e Facebook con le professioniste coinvolte nel nostro foto festival, per non perdere quella relazione diretta con tutte le persone che ci seguono e che ci hanno sostenuto e ci sostengono anche oggi, attraverso l’acquisto del catalogo sul sito eMuse. Abbiamo un contest fotografico (chi non lo ha in questo momento?) su IG. Sulle conseguenze a lungo termine stiamo studiando alcuni piani B che possano essere proposte strutturate al comune di Mantova – la città che ospita il foto festival – ed in altre realtà in Italia.
Per quanto concerne il mio lavoro curatoriale, nel 2020 avevo in programma quattro mostre importanti – tra arti visive e fotografia – alcune strutturate all’interno del palinsesto I talenti delle Donne, promosso istituzionalmente dal Comune di Milano e che non so al momento che sviluppo avranno, ma stiamo muovendoci anche su quel fronte. Naturalmente parte integrante del mio lavoro in questo momento è cercare di capire come cambierà la fruizione delle mostre, individuare opzioni nuove. Dialogare con le istituzioni e gli artisti/fotografi. Comprendere come i visitatori di musei e mostre percepiscono questa situazione al fine di avere dati concreti da cui partire e – non ultimo – relazionarmi costantemente con tutte le realtà con cui lavoro e gli altri professionisti, per una riflessione collettiva che sia anche un percorso comune.
Alessia Locatelli: sono nata a Milano nel luglio 1977. Da oltre 15 anni mi occupo di curatela e critica con un focus particolare in fotografia. Sono il direttore artistico dell’archivio Enrico Cattaneo e della Biennale di Fotografia Femminile di Mantova (bffmantova). Negli anni ho avuto occasione di seguire la progettazione del SiFest di Savignano e del Premio Canon Giovani Fotografi, e di collaborare con i maggiori foto-festival in Italia e in Svizzera nella curatela e nelle portfolio reviews. Sono un curatore e critico indipendente nell’organizzazione di mostre con realtà sia pubbliche che private, in Italia e all’estero. Collaboro con riviste di settore fotografico e sono il critico referente del “Dossier Fotografia” all’interno del “CAM, catalogo di arte moderna” (ex-Bolaffi) pubblicato dalla Editoriale Giorgio Mondadori – Gruppo Cairo. Dal 2016 ho ideato alcuni corsi professionali per diventare Photocurator richiesti in tutta Italia. Consiglio e coadiuvo gli autori nella scelta delle carte Fine Art e nei materiali di montaggio utili alla conservazione per creare una filiera virtuosa anche in Italia nella fotografia, dal progetto allo storytelling al collezionista.
Mag15
Costantino Ciervo da Berlino
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
Qui a Berlino il “lockdown” non è mai stato così rigido come in Italia. Nei momenti più acuti dell’emergenza dovuta al coronavirus, è stato possibile fare passeggiate, andare in bicicletta, fare jogging, anche se da soli o al massimo in compagnia di una persona mantenendo le dovute distanze. Per il resto molte restrizioni (divieti e regole) sono state e sono simili a quelle adottate nella stragranza maggioranza dei paesi nel mondo colpiti dalla pandemia. In sostanza, il poter uscire e muoversi all’aperto ha reso, da un punto di vista della tenuta psicologica, l’isolamento forzato e il distaccamento sociale generalizzato imposto alquanto sopportabili. Un grande aiuto, per sopperire la mancanza di contatti e scambi interculturali, è stato l’uso dei social e delle cosiddette videoconferenze. Come le piante, che non possono spostarsi, abbiamo sviluppato strategie di comunicazione per continuare a vivere ed evolverci.
Tuttavia, tutto questo non è bastato per stare veramente bene. Qualcosa di fondamentale, d’importante mi è venuto a mancare.
Quest’esperienza mi ha fatto definitivamente capire, o ha rafforzato quello che forse sapevo da sempre: la tecnologia virtuale, anche quella più sofisticata e realistica, non potrà mai del tutto sostituire la completezza di quel tipo di “connessione” ed interazione fisica e reale che solo il corpo umano, fatto di carne ed ossa, può esprimere e innescare.
L’“assenza” della fisicità ha generato in me la forte “mancanza” del percepire attraverso il corpo dell’“altro” quella magica sensazione del sentirmi realmente sociale e, di conseguenza, pienamente vivo. Insomma. Mi sono mancate le cene che abitualmente organizzo con i miei amici e conoscenti. Mi sono mancate quelle discussioni che s’intrecciano con i sapori e gli odori del cibo. Gli abbracci e le strette di mano per dirsi benvenuto e arrivederci. Mi sono mancati terribilmente tutti quegli incontri con le persone reali che normalmente avvengono alle aperture delle mostre, dei convegni, nei viaggi.
L’isolamento forzato mi ha fatto sostanzialmente, ancora una volta, ricordare (ma questo penso valga anche per tutti) che il mio essere sociale non potrà mai separarsi da quello di essere soprattutto “animale” sociale.
Come immagini il mondo, quando tutto ripartirà?
Se restiamo nel campo della pura “immaginazione” e non in quello della “previsione”, allora quando sarà finita questa pandemia, vorrei potermi immaginare un mondo senza frontiere, dove ci si possa spostare liberamente. Mi piacerebbe immaginare un mondo dove ogni essere umano abbia il diritto a un reddito di base, a un servizio sanitario e scolastico gratuito. Un mondo, nel quale non ci sia più la separazione tra capitale e lavoro, tra ricchi e poveri, tra i pochi che decidono e i molti che eseguono. Mi piacerebbe immaginare un mondo della partecipazione e della condivisione, dove al centro delle scienze economiche non ci sia più il profitto e il lucro, bensì il bene comune e il rispetto della natura e della biodiversità.
Purtroppo tutto questo non avverrà, né in parte né nel suo totale, perlomeno nel breve e medio periodo.
Le mie previsioni: la catastrofe economica e umana, che il Covid-19 ha provocato e sta provocando, renderà probabilmente, nel breve periodo, il mondo un po’ più solidale. Saranno create alcune forme temporanee di “comunismo” che poi a lungo termine spariranno. Per esempio, per quanto riguarda l’Europa, saranno prese misure economiche in aiuto dei paesi dell’Unione che sono stati economicamente più colpiti dalla pandemia, che si baseranno su un principio di solidarietà mai visto in precedenza (al contrario di quello che avvenne dopo la grande crisi finanziaria con la “Troika”). Allo stesso tempo però aumenterà, per un periodo molto lungo, la diffidenza verso l’“altro”. Una caratteristica dei periodi storici post-epidemici (da napoletano mi ricordo ancora della diffidenza nei nostri confronti perdurata per decenni dopo essere stati colpiti dal colera nel 1973) è quella di diffidare dell’altro, in quanto l’altro può rappresentare il possibile untore e in ogni caso colui che è all’origine dei propri problemi. Da evidenziare che il capitalismo si nutre sempre della dinamica della paura perché ha bisogno continuamente di un capro espiatorio sul quale spostare l’attenzione per coprire la sua natura, fonte di grandi disastri sociali ed ecologici. Il fenomeno della diffidenza si accentuerà sia a livello interpersonale e nazionale sia a livello globale politico-economico. Si accentueranno spinte autarchiche di aree geopolitiche contrapposte che si contenderanno, attraverso una concorrenza economica e militare, il nuovo ordine mondiale, o se si vuole usare un altro termine, che si contenderanno il dominio dell’impero o degli imperi che verranno a consolidarsi.
Quando tutto questo finirà: una cosa da fare e una da non fare mai più.
Una cosa assolutamente da non fare è quella di pensare di essere invulnerabili, di sentirsi al centro del mondo. Dico questo perché noi artisti siamo particolarmente soggetti, nel nostro comportamento, ad essere egocentrici, anche se paradossalmente, nella nostra produzione artistica dimostriamo continuamente che l’uomo, in epoca Antropocene, è molto più fragile di quanto egli possa pensare di essere. Una cosa che bisognerebbe fare: operare per un successo che non prescinda da quello degli altri.
Costantino Ciervo è nato nel 1961 a Napoli e vive e lavora dal 1984 a Berlino. Ciervo è uno dei pionieri delle installazioni video e dell’arte interattiva. Ha studiato Economia e Scienze Politiche all’Università di Economia e Commercio di Napoli e Filosofia e Storia dell’Arte alla Technische Universität di Berlino. Nel 1993 ha partecipato alla Biennale di Venezia. È stato nominato per l’11° Marler Videokunstunstpreis , Marl (2004) e per il prestigioso Käthe-Kollwitz-Preis, Akademie der Künste, Berlino (2006). Dal 2009 è membro dell’associazione Deutscher Künstlerbund. Nel 2012 è stato stipendiato della fondazione Hans e Charlotte Krull, Berlino. Ha esposto in diversi musei nel mondo: in Cina, negli U.S.A, in Israele e in diversi paesi d’Europa. Mostre attuali: Amuse-bouche. Der Geschmack der Kunst, Museum Tinguely, Basilea, Svizzera. OUT-LOOK, museum Fluxus+, Potsdam, Germania. http://www.ciervo.org/werke.html
Mag15
Maria Rebecca Ballestra da Monaco
La tua nuova ritualità quotidiana…
Ho deciso di affrontare l’isolamento causato dal Covid19 come un’esperienza monastica. Dover ridurre al minimo le mie necessità, i mie spostamenti, i miei incontri e, inevitabilmente, i miei impegni lavorativi mi ha costretto a reimmaginare la realtà. Avendo di natura un’attitudine positiva, ho pensato di vivere questa esperienza come un ritiro spirituale, addentrandomi nella dimensione immateriale e investigando in profondità il mio mondo interiore.
Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Essendo stati posticipati molti degli impegni lavorativi, mostre e progetti, la mia attività artistica si è molto ridotta. Sto partecipando ad alcuni progetti online, lavorando con i materiali che ho a disposizione in casa e ordinando materiale online. Utilizzo questo periodo per fare un bilancio del lavoro fatto fino ad ora e riorientare la mia pratica artistica futura. Il senso di fragilità, le tragedie delle morti, la sospensione spazio-temporale implicite in questa esperienza collettiva, mi hanno spinto a una maggior presa di responsabilità. Nonostante il mio lavoro sia già impegnato socialmente e attento alle tematiche ambientali, in futuro sarà più fortemente etico, coerente con la sostenibilità ambientale, e rivolto alla trasformazione sociale.
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
L’isolamento forzato ha favorito la mia ricerca interiore, dedico molto tempo all’introspezione, alla lettura e alla meditazione. Ha inoltro favorito la mia ricerca spirituale che sta riorganizzando le mie future priorità e i miei futuri comportamenti.
Musei e gallerie hanno reagito al momento con la digitalizzazione e la virtualità. Quali sono le tue “strategie” per instaurare nuove relazioni?
In realtà più che instaurare nuove relazioni, sto utilizzando il tempo dell’isolamento per riprendere i contatti con tutti gli artisti, gli operatori culturali e i pensatori che ho avuto la fortuna di incontrare in quasi venticinque anni di viaggi, residenze d’artista e progetti artistici in ogni parte del mondo. Questo periodo di pausa mi ha permesso di riportare alla memoria molti di loro e cogliere l’occasione per ricontattarli.
L’uso delle tecnologie ha favorito, inoltre, l’incontro con altri artisti con cui ho scambiato idee, riflessioni e futuri immaginari, e mi ha permesso di approfondire tematiche culturali che prima non avevo tempo di affrontare.
Come immagini il mondo, quando tutto ripartirà?
Spero che questa esperienza di dolore e fragilità, che per la prima volta colpisce globalmente i paesi ricchi, porti a un ripensamento dei nostri modelli di vita, da come consumiamo a come ci muoviamo, dai parametri economici a quelli finanziari. È quello che cerchiamo di fare con il Festival for the Earth che organizzo ogni anno. Auspico che le tematiche ambientali, e le moltissime voci che da anni si levano per la difesa del Pianeta e per il rischio di autodistruzione dell’umanità vengano finalmente ascoltate. Come ha detto il Papa, non si può pensare di essere sani in un mondo malato.
Quando tutto questo finirà: una cosa da fare e una da non fare mai più.
A livello globale non dovremmo mai più essere così superbi da pensare di poter controllare e sfruttare indiscriminatamente la Natura, perpetuando ogni genere di violenza su tutte le altre specie (talvolta anche la nostra stessa specie quando si tratta di minoranze o popoli indigeni). A livello personale, non mangerò più carne. Una cosa da fare a livello globale è cambiare il nostro modello di organizzazione sociale, ampliando la coscienza ambientale. Personalmente, avrò dei comportamenti più ecologi, meno viaggi e meno consumi.
Ad oggi quali sono state per te le conseguenze immediate della diffusione del Covid-19 sul tuo lavoro e quali pensi possano essere le conseguenze a lungo termine?
Penso di dare un orientamento ancora più ecologico e sociale al mio lavoro. Credo che collaborerò di più con altri artisti, e sono sempre più orientata ad una pratica artistica partecipativa. Ho in mente anche un paio di progetti a sostegno di pratiche artistiche volte alla trasformazione sociale.
Artista visiva, Maria Rebecca Ballestra nasce a Sanremo (Italia) nel 1974, si diploma all’Accademia di Belle Arti di Firenze e studia presso la Facultad de Bellas Artes di Granada (Spagna). Dal 1994 le sue opere sono state esposte in sedi internazionali, mostre collettive e personali, musei, gallerie e fiere d’arte e fanno parte di collezioni pubbliche e private, sia in Italia che all’estero. Frequenta seminari e workshop in diversi paesi europei ed extraeuropei tra cui il Museo Archeologico di Rethymno (Grecia), la Fondazione Picasso di Malaga (Spagna), il Museo della Ceramica di Barcellona (Spagna). Nel 2003 viene selezionata per partecipare alla Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo in Grecia e nello stesso anno vince la sua prima residenza per artisti presso il Museo d’Arte Contemporanea Europos Parkas di Vilnius in Lituania, a cui sono susseguite numerose altre residenze che hanno permesso all’artista di realizzare progetti interdisciplinari in varie parti del mondo, tra cui: Signal Fire (USA), Cambridge Sustainable Residency e Rhod (UK), Transnational Culture (Brasile), Sunhoo Industrial Design Innovation Park e CEAC (Chinese European Art Center (Cina), Sowing Seed e Global Art Village (India), Taipei Artist Village (Taiwan), Gozo Contemporary (Malta), Abetenim Village in Ghana (2012), solo per citarne alcune.
Maria Rebecca Ballestra vive e lavora in condizione nomadiche (ha visitato circa 65 paesi) facendo del viaggio il suo principale strumento di indagine. Accanto alla fotografia e alle installazione, agli interventi site-specific, le performances e i video, realizza progetti transdisciplinari che enfatizzano aspetti ambientali e sociali, come nel progetto biennale Journey into Fragility (2012-14), orientato alla percezione del futuro in relazione ai cambiamenti climatici e ai molteplici interventi dell’uomo nell’ambiente naturale.
Da tre anni Maria Rebecca Ballestra è impegnata in un nuovo progetto artistico a lungo termine, Echoes of the Void, con cui sta investigando il significato geologico, culturale, spirituale e ambientale dei più grandi deserti del mondo. www.rebeccaballestra.com
www.festivalfortheearth.com
Mag15
Nadia Stefanel da Correggio (RE)
La tua nuova ritualità quotidiana…
Il lockdown in Italia ci ha sorpresi una sera di inizio marzo; le avvisaglie c’erano già state dal 24 febbraio con la chiusura totale delle scuole (io ho due figlie di 14 e 11 anni) e poco dopo del mondo dell’Arte, ma nelle nostre teste nulla faceva presagire che sarebbe stato solo l’inizio di un cambio radicale della nostra quotidianità. Così ci siamo ritrovati tutti e quattro in casa (per fortuna con un grande giardino) a suddividerci spazi vitali, metrature, stanze, e connessione wifi. A parte lo shock iniziale, è stato fondamentale darsi dei programmi quotidiani del #masttodo, lasciare sì che l’otium romano liberasse creatività, ricaricando le energie, ma che la malinconia di sapere che, per un bel po’, la normalità non sarebbe stata possibile e che questa “inerzia” non si impadronisse completamente di noi. In soldoni regole di vita precise (dall’alzarsi presto al mattino allo stabilire le attività da fare in casa e per il lavoro o la scuola durante la giornata). È stato fondamentale. Perché, vi posso assicurare, che lavorare in smart working con i figli al seguito (anche se grandi) con le loro lezioni online è un’impresa da Indiana Jones.
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
Dopo un primo momento di incredulità e stupore per la Pandemia e il lockdown, ho cercato di utilizzare il tempo a disposizione in maniera costruttiva, per non perdermi, per farne un arricchimento (forzoso ma utile), per uscirne più pronta di prima, più formata. E così ho rispolverato vecchi libri di storia dell’Arte, riguardato le opere d’arte degli ultimi 50 anni (1970-2020), mi sono iscritta ad un corso online al MoMA Museum, cimentata in un progetto video in inglese sul raccontare la storia del Coronavirus, in modo ironico, attraverso l’Arte per la Camera di Commercio Italiana di Singapore, preso appunti, letto libri di narrativa, e fatto soprattutto dello scouting di immagini d’Arte in rete. Questa abilità mi era stata insegnata all’Università, dal mio Prof Arturo Carlo Quintavalle. Organizzava corsi monografici con 1000 immagini di opere d’arte in bianco e nero per volta (le fotocopie a colori erano costosissime) da imparare a memoria e riconoscere, durante gli esami, come in un quiz televisivo. Allora sembrava un delirio, oggi invece mi ha permesso di ampliare la mia ricezione visiva con un ampio patrimonio di collegamenti. Una ricerca diventata passione.
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
Per una abituata come me ad avere sempre la valigia in mano, spostandomi continuamente fra luoghi di lavoro e luoghi d’arte con ogni mezzo di trasporto, con la vocazione intrinseca del viaggiare come mezzo di conoscenza dell’altro e delle altre culture, lo stop è stato come una secchiata di acqua fredda in faccia. Soprattutto se a questo si aggiunge la necessità di presenza, contatti che mi contraddistingue da sempre nei rapporti, dove lo stare assieme lavorando, condividendo vis a vis opinioni, pensieri, discussioni, chiacchiere e risate è la base del mio e del nostro mondo.
Quindi cosa mi manca? Proprio questo. Viaggiare per lavoro, per conoscere e vedere e la fisicità di una stretta di mano o di un abbraccio, ma non a 2 mt di distanza.
Mi manca lavorare gomito a gomito con gli artisti, i curatori, per realizzare il progetto, mi manca il lavoro sul campo, come il fare nottata per essere pronti per il vernissage del giorno dopo, il pubblico alle mostre, il sapore di questo universo.
Ora è tutto virtuale, certo. Ma, al momento, nonostante gli sforzi immensi da parte di tutti, dalle istituzioni, ai musei, dalle gallerie, ai singoli artisti di mettersi in rete, online, a mio avviso, non è la stessa cosa.
Musei e gallerie hanno reagito al momento con la digitalizzazione e la virtualità. Quali sono le tue “strategie” per instaurare nuove relazioni?
Per quanto riguarda la Fondazione Dino Zoli, con Monica Zoli, abbiamo deciso di seguire, da subito, l’hashtag #iorestoacasa del MIBAC e di cimentarci con un’attività social più impattante sui nostri profili (Facebook, Instagram e Twitter). Ho suddiviso l’attività in 3 sezioni: visita virtuale e approfondimenti relativi alla mostra “Profili cuciti di santità” di Lucia Bubilda Nanni in essere (chiusa un giorno dopo il vernissage), il racconto delle opere della collezione permanente della Fondazione attraverso parole chiave quali Geometrie, Intimità, Luce, Cielo, Porto e Alfabeti ed incursioni nel recente passato con le esposizioni e i progetti realizzati dal 2017 al 2019.
Inoltre abbiamo chiesto agli artisti e curatori che avevano collaborato con la Dino Zoli Group di realizzare piccole clip d’arte da postare per raccontare il progetto realizzato insieme e tenere vivo così il rapporto con il nostro pubblico, come fossero momenti di sollievo in una quotidianità costellata da restrizioni e divieti.
Come immagini il mondo, quando tutto ripartirà?
Purtroppo non ho ancora un’idea precisa di cosa ci aspetterà nel dopo. A livello economico credo possa essere una débacle per tutto il settore, ma credo che come in ogni crisi epocale la capacità del mondo dell’Arte sia quella di liberare il meglio proprio sotto stress, di mettere in circolo una potente creatività intesa come capacità di innovare attraverso l’immaginazione e citando Rodari, quella creatività che è insita nella natura umana ed è quindi alla portata di tutti. Non perché tutti siano artisti, ma perché nessuno sia schiavo.
Ed è quello che vogliamo fare come Fondazione Dino Zoli in questo forzato stand by, cercando di intercettare quali possano essere le tendenze della prossima, nuova, normalità. Perché sicuramente anche il mondo dell’Arte e della Cultura ripartirà.
Nadia Stefanel: vivo e lavoro tra Correggio (RE) e Forlì. Dopo 11 anni alla direzione del Correggio Art Home, centro studi dedicato ad Antonio Allegri, ho incrociato sul mio cammino il Sig. Dino Zoli e dal 2017 sono Cultural and Communication Manager presso Dino Zoli Group e Direttore della Fondazione Dino Zoli. Da anni collaboro strettamente anche con l’artista Omar Galliani.
In Fondazione mi occupo della programmazione culturale in Italia e a Singapore, dove una delle aziende del Gruppo, la DZ Engineering dal 2011 realizza gli impianti di illuminazione e di comunicazione di pista sul circuito del GP F1, e della curatela di alcune mostre.
Il lockdown ha sospeso nell’aria l’ultimo nostro progetto espositivo Who’s Next (sostenuto dalla Dino Zoli Textile) dedicato a Lucia Bubilda Nanni (Profili cuciti di santità), un percorso attraverso la vita di alcune Sante con opere realizzate interamente con la macchina da cucire da questa dotata artista.
fondazionedinozoli.com
Mag14
Veronica Liuzzi da Taranto
Francesco Paolo Cosola da Bitonto (BA)
La tua nuova ritualità quotidiana…
Veronica Liuzzi: Ho cercato di tirare fuori il “buono” da questo periodo, sfruttare il tempo, colmandolo di studio, ricerca, riflessione.
Lavoro tutti i giorni a contatto con la tecnologia e per questo non è troppo inconsueto il passare molto tempo al chiuso e davanti ad un computer. Ho iniziato ad interfacciare l’arte con la tecnologia quando ero ancora una studentessa e questo mi ha portato, nel tempo, a dedicare un notevole numero di ore al lavoro “in studio”, nella mia casa.
La tecnologia e il digitale per me hanno sempre rappresentato una potenzialità, piuttosto che un passivo e soffocante mezzo di alienazione. Hanno permesso di inebriare il mio sguardo, fondere profonde riflessioni ad un elevato senso estetico, giocare con il potere generatore dei numeri, plasmare la luce con le mie stesse mani.
È così, attraverso la luce e il digitale, che diviene possibile anche espandere lo spazio fisico di una stanza: le mie pareti sono spesso divenute scenari di performance e scenografie multimediali e, nel periodo di quarantena, la casa diviene il luogo dell’arte immersiva e della sperimentazione.
Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Francesco Paolo Cosola: La diffusione dell’epidemia e la relativa restrizione di spostamento, seppur modificando i programmi in lista, le modalità, non hanno così sconvolto il mio metodo di lavoro. Da sempre conduco la mia ricerca studiando e, parallelamente, lavoro con i mezzi che contraddistinguono le mie opere. Ho semplicemente “guardato l’altra faccia della Luna”, come io e Veronica Liuzzi abbiamo avuto modo di testimoniare nella video-installazione “1959” prodotta nel 2018: ho preso in prestito questa grande “libertà” concessa (anche se può sembrare un controsenso considerando il lockdown che stiamo affrontando da diverse settimane), facendone motivo di confronto su ciò che ci ruota attorno. Ogni parola, gesto, ha un’eco diversa e non solo perché le strade sono deserte.
Il tempo così dilatato della quarantena, ha permesso di sfruttare questa occasione rendendola più produttiva, analitica, ha concesso di potenziare quei progetti purtroppo bloccati dall’inevitabile crisi. Le notizie in continuo aggiornamento, gli approfondimenti scientifici sulle cause e le conseguenze che tutto questo genera, hanno permesso di valutare e di produrre inediti lavori di arte partecipata che, come l’installazione immersiva TREND, si pongono come spunti di riflessione rispetto ciò a cui prima non si dava il giusto valore.
Con quali oggetti e spazi del tuo quotidiano stai interagendo di più?
Francesco Paolo Cosola: Nella mia ricerca personale, ho sempre lavorato utilizzando oggetti di cui sono già in possesso. Certamente, considerate le limitazioni prodotte dalle direttive dei DPCM, è stato necessario tradurre diversamente alcuni approcci sotto forma di bozze, continuando a sfruttare maggiormente le potenzialità del digitale.
Ognuno di noi oggi cerca il proprio spazio, più di prima. È uno spazio dove le mura sono solo probabilmente un confine formale; è una vita che si sviluppa, si riappropria dei sensi e mette a dura prova la risonanza del percepire. Citando Alejandro Jodorowsky, infatti: “la realtà di ogni giorno non è rigida o, per meglio dire lo è soltanto nella nostra mente, nel concetto che abbiamo di essa. Se ci sentiamo legati, stanchi di muoverci sempre all’interno dello stesso ambiente, abbiamo il potere di cambiare! Chi ha detto che è impossibile?”.
Il potere della creatività, della capacità dunque di trovare una soluzione alternativa a ciò che oggi è sbarrato, insegna a muoverci in una realtà duttile, in seno alla quale si può produrre qualsiasi mutamento, qualsiasi trasformazione. È da qui, dalle stanze fisiche e mentali, che bisogna ripartire.
Ad oggi quali sono state per te le conseguenze immediate della diffusione del Covid-19 sul tuo lavoro e quali pensi possano essere le conseguenze a lungo termine?
Veronica Liuzzi: Il mio lavoro prevede nella maggior parte dei casi il coinvolgimento di un pubblico. L’arte digitale immersiva, l’installazione ambientale, la performance multimediale live includono sempre un’interazione con lo spettatore, si potrebbe quasi dire che vivano grazie alla presenza altrui. Talvolta, anche nella stessa opera (come nel caso della performance PARADE) più persone calcano insieme la scena.
Adesso è necessario ripensare – almeno per il breve periodo – questo rapporto, immaginare e sperimentare nuove e funzionali forme di relazione con il pubblico. E ancora, creare “a distanza”, così come è successo con Francesco Paolo Cosola e i lavori nati in quarantena. Al momento abbiamo molti progetti in sospeso, personali e in collaborazione, come il progetto Limpa, nascente StartUp per l’arte multimediale e performativa, momentaneamente sopita e in attesa di ripresa.
Forse qualcosa dovrà essere rimodulato, trasformato.
Ma l’arte è figlia della storia ed un evento di questa portata ha delle inevitabili conseguenze. Alcune negative. Altre aprono possibilità di cambiamento, interrogativi, riflessioni.
Un nuovo “istinto di sopravvivenza” da applicarsi alla produzione artistica che, come sappiamo, verte in condizioni non troppo favorevoli già da tempo. La figura dell’artista vive un momento di notevole criticità, viaggiando su una linea sottile che divide collasso e trasformazione.
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Veronica Liuzzi è un’artista multimediale originaria della provincia di Taranto.
Il suo lavoro spazia tra media differenti. Lavora alla produzione di progetti multimediali che pongono grande attenzione alle problematiche del corpo nel contesto sociale-ambientale e vedono l’interazione di performance e tecnologia, attraverso la produzione di videoproiezioni, pseudo-ologrammi integrati all’opera e allo spettacolo dal vivo, algoritmi impiegati nella produzione sonora o scenografica e sistemi informatici utilizzati per la costruzione di scenari interattivi.
Lavora, inoltre, alla produzione di videoinstallazioni ambientali immersive. Tra gli ultimi progetti LIEVE performance nata per Matera2019 ed esposta al Museo Macro di Roma e DIARIO DI 103 QUARANTENE, embrione di opera immersiva presto “archivio” del periodo.
www.veronicaliuzzi.it
Francesco Paolo Cosola, artista extramediale di Bitonto (BA). La sua ricerca artistica penetra il tessuto sociale di provenienza, indaga le forme espressive, le impasta in un concetto artistico dalle forme diverse. Utilizza la materia della luce, ma anche quella pastosa dei materiali caratteristici della propria terra, in una ritualità mista tra chimica e devozione. Attraverso le sue installazioni è come se prendesse forma una nuova “religione”, un richiamo alle antiche tradizioni, dove “religo” significa mettere vicine le cose lontane. Intento dell’artista è, quindi, colmare una distanza tra ciò che è terreno è ciò che non lo è.” [D. Uria]. Tra i suoi ultimi lavori T, short documentario e TREND, installazione immersiva prodotta con Veronica Liuzzi, entrambi un monito sull’importanza delle memorie.
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Mag16