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Luca Coser da Trento
La tua nuova ritualità quotidiana…
Ho terminato il mio semestre di insegnamento a Brera poco prima delle limitazioni virus, quindi di nuovo c’è poco. Rispetto a prima, per quello che tu definisci ritualità, i cambiamenti sono minimi. Sono metodico, mi sveglio e vado in studio, faccio partire la musica, o la radio, lavoro oppure faccio poco, leggo, metto in ordine, telefono, qualche collegamento online con i ragazzi dell’Accademia. Insomma, sto soprattutto con me stesso, spero in modo efficace, poi torno a casa.
Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Non trovo che questo sia un periodo particolarmente creativo. Non lavoro sulla cronaca o sulla comunicazione o sulla sociologia, quindi dal punto di vista culturale su di me il virus ha avuto poca presa. Da molti anni lavoro attorno a poche idee, sempre quelle, ossessivamente, attorno a degli enigmi, a dei misteri che coinvolgono il mio rapporto con la pittura, con le immagini del mondo a cui cerco di dare un senso. Tutto qui. Non è qualunquismo, sia chiaro, non sono così scontato.
Con quali oggetti e spazi del tuo quotidiano stai interagendo di più?
Interagisco con la casa dove vivo, con lo studio dove dipingo. Se vogliamo, con l’automobile che mi sposta da casa a studio e viceversa, che sembra banale ma non lo è, è il mio rapporto reale e non virtuale col territorio, in movimento, attraverso lo sguardo. Anche gli oggetti, per quanto riguarda l’arte, sono i soliti… Gli strumenti della pittura e del disegno, lo stereo, la mia Fuji X100T, il computer, i libri.
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
Credo che questo possa essere un tempo molto penetrante per i giovani, nel pieno della loro formazione. Per quanto mi riguarda, invece, non si sta rivelando particolarmente incisivo, casomai più modestamente disagevole. Di mio ha scoperto o riscoperto poco. Ho vissuto delle paure e delle ansie che non conoscevo, nient’altro. Invece, di questo tempo bastardo mi ha cambiato molto una sua conseguenza, la morte di mia madre, che il virus si è portata via. Sì, questo mi ha cambiato.
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
Mi manca mia madre. Per il resto, né più né meno quello che mi mancava prima. Assenza e mancanza, oblio, sono argomenti della mia poetica da trent’anni. Certo, mancano la libertà di movimento e il contatto con le persone, lo “stare fuori”, come per tutti, è ovvio, ma non serve dirlo.
Musei e gallerie hanno reagito al momento con la digitalizzazione e la virtualità. Quali sono le tue “strategie” per instaurare nuove relazioni?
Nessuna, o meglio, le stesse di prima. Non che il resto del mondo dell’arte faccia grandi cose. Diciamo che nel nostro mondo, quello dell’arte, fingiamo di reagire, di lavorare su nuove prospettive, ma senza grandi risultati. Se riprenderà il mercato si tornerà alle dinamiche di prima, altrimenti si farà arte senza il mercato o con un mercato più debole; in questo caso chiuderanno molte gallerie, spariranno molti facili artisti, quelli che aspettavano il virus per dare il meglio. Poi, il fatto che un sacco di gente faccia nuove proposte online significa soltanto che qualcosa deve fare, in molti casi si è chiusa la bottega ma non il lavoro. Guardo la Pinacoteca di Brera online, virtuale 3D, e chi se ne frega; se non posso guardare il Cristo Morto del Mantegna dal vivo, a cosa mi serve guardarlo online? Prima, se non dal vivo, lo guardavamo sui libri, magari accompagnato da un testo di Berenson e senza clamori, se ricordo bene.
Come immagini il mondo, quando tutto ripartirà?
Come prima, peggio. Non parlo di specifici gruppi, parlo dei cittadini, della cosiddetta società civile. Sono ottimista ma non ingenuo, non credo ci aspetti il Medioevo ma nemmeno un mondo più giusto, almeno non nel breve periodo. Il cambiamento lo farà eventualmente un lento processo culturale, di cui il virus sarà uno dei tasselli. Di certo, nell’immediato aumenterà la contrapposizione tra potere e desiderio, i ricchi rimarranno ricchi e i poveri saranno più poveri, in mezzo svariate ansie.
Sono nati nuovi luoghi e spazi alternativi di coesione intorno a te?
Sì, di carattere ricreativo. La mia vicina, una ginnica, nel pomeriggio organizza momenti condivisi di fitness, la peggio musica sparata a palla, lei sola in cortile, tutti gli altri sui balconi. Che in fin dei conti, mette fiducia nelle persone e ti fa pensare che le cose possono anche cambiare.
Luca Coser è nato a Trento nel 1965. Vive tra Trento e Milano, dove insegna all’Accademia di Belle Arti di Brera.
La sua prima collettiva significativa è del 1985, a cura di Danilo Eccher, la sua prima personale del 1989, negli spazi della galleria Ponte Pietra di Verona. Da allora ha esposto in numerose gallerie pubbliche e private in Italia e all’estero.
In questi giorni malati ha in ballo tre progetti “chiusi”: una personale a cura di Gilda Contemporary Art negli spazi della Banca di Asti, a Milano, e due collettive, una a cura di Azzurra Immediato negli spazi del Museo d’Arte Moderna della Moldavia, a Chișinău, una a cura di Gabriele Salvaterra negli spazi di Area45 Contemporary Art, a Milano.
Il suo lavoro è oggi rappresentato da Gilda Contemporary Art, Milano; CRAG Gallery, Torino; Kips Gallery, New York.
www.lucacoser.net
Mag23
Vincenzo Cabiati da Milano
La tua nuova ritualità quotidiana.
Vivo in una casa studio. Ho sempre passato molto tempo lavorando in solitudine. I confini di “lavoro” e “quotidianità”, con una scelta esistenziale di questo tipo, sono molto labili. Sento amici, artisti e curatori e con sorpresa confessiamo che, oltre all’inevitabile panico sanitario, i tempi della vita hanno una certa continuità. Unica differenza i rapporti di produzione fuori dallo studio che ovviamente in questa fase sono impossibili.
Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Il mio voyeurismo è più ossessivo. Guardo il lavoro e gli studi di altri artisti, tutti bravissimi, con entusiasmo, bramosia e adorazione. Forse, in questa particolare condizione il ruolo computer-buco della serratura è sfrenato e compulsivo. Come accennavo, l’unica difficoltà è non poter collaborare con alcuni artigiani che, per loro fortuna, vivono e lavorano lontano da Milano, in luoghi molto meno contaminati e ai quali sono molto devoto.
Con quali oggetti e spazi del tuo quotidiano stai interagendo di più?
Un tavolo, molta luce, tantissima carta e pigmenti fluorescenti. L’improvvisa impossibilità di reperire qualsiasi materiale mi costringe ad usare tutto ciò che affolla il mio studio. Materiali che ovviamente amo moltissimo. Una differenza! La carta, ad esempio, la uso non solo per una fase interlocutoria. Le priorità e i pesi cambiano?
Cosa ti manca? La tua personale esperienza del’“assenza” e della “mancanza”.
L’assenza e la mancanza sono due aspetti fondamentali, generativi, inevitabili. Eccellenti per il mio lavoro. In questa fase, indotti dal delirio degli eventi con risvolti urgenti e drammatici per tutti, assumono i connotati della frustrazione e del terrore.
Come immagini il mondo, quando tutto ripartirà?
La MERAVIGLIA è che sarà ogni oltre immaginazione. Esattamente come le terapie per la cura. Ogni giorno un nuovo pensiero seguito da una nuova sperimentazione. Logiche ineccepibili sfumano nel caos. Contraddizioni, ripensamenti, speranze, scoperte, smentite. Gioia, delusione, attesa, nessuna certezza!!!
Vincenzo Cabiati. Formatosi nello studio paterno, alla fine degli Anni ’80 si trasferisce a Milano dove allestisce la sua prima mostra personale, Femminea, presso la Galleria Giò Marconi. Le sue opere vivono e prendono forma grazie a molteplici contaminazioni – cinema, architettura e arte – e attraverso l’utilizzo di diversi materiali e differenti procedimenti di lavorazione trovano continuamente nuovi spunti di realizzazione.
Obiettivo dell’artista è estrapolare elementi significativi di realtà, contribuendo a un loro rinnovato valore poetico e affettivo.
Uno stretto legame, nato nell’infanzia grazie al padre Achille, è quello con la ceramica policroma che oggi rappresenta il mezzo privilegiato d’espressione dell’artista.
Tra le sue mostre più recenti si ricorda: Vincenzo Cabiati Corrado Levi, 2014, Spazio – 1, Lugano ( CH ), Rich Bitch, 2016 – 2017, Assab One, Milano, Giovane Custer, 2019, Donazione Giancarlo e Danna Olgiati, Masi Lac, Lugano (CH), AF arte contemporanea, Bologna.
https://vcabiati.wixsite.com/personalwebsite
Mag22
Marcello Campora da Savona
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
In questi giorni ho vissuto da solo. Le mie giornate sono volate. Mi sono chiesto spesso cosa occupasse il mio tempo per riuscire ad averne così poco anche in questa condizione. Credo che sia l’intimità ad avermi occupato le giornate. Stare da soli ha significato mettersi in relazione con gli spazi che vivi, gli oggetti che usi, che tocchi. Il mio naturale scambio di sensazioni e informazioni con il mondo esterno, il mio specchiarmi in esso, in questa nuova dimensione si è trasformato nello specchiarmi negli oggetti della vita quotidiana. Un quaderno, un libro, anche solo il più insignificante asciugamano che uso ogni giorno, diventano parte dell’anima. “Perché l’anima ha bisogno di un luogo”. Questa frase è scritta come monito sulle pareti di un edificio a me molto caro nel quale ho recentemente realizzato un lavoro fotografico che mi ha molto coinvolto e che spero potrò presto presentare.
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’“assenza” e della “mancanza”.
Il mio rapporto con la fotografia si esplicita attraverso la voglia di raccontare le storie che accadono fuori. Mi manca la possibilità di narrare l’uomo attraverso l’incontro. Anche quando ho rappresentato l’assenza, l’ho fatto attraverso le storie di chi non era presente o dei pochi rimasti.
La scelta, come ho detto, è stata quella di non uscire, di fare un’esperienza nuova.
È stato molto bello anche così ma ciò non toglie che mi manchi l’umanità che ho raccontato fino a prima dell’emergenza.
Quando tutto questo finirà: una cosa da fare e una da non fare mai più.
Ci sono cose che vorrei tornassero e cose che vorrei fossero abbandonate per sempre. La cosa principale è che vorrei che le relazioni, gli abbracci, le carezze tornassero ad essere al centro della vita dell’uomo. I bambini devono avere una scuola che preveda tutto questo perché la socialità è alla base del vivere civile. L’ipotesi di un mondo riorganizzato attraverso le distanze fra le persone è da prendersi in considerazione solo come soluzione temporanea ad un enorme problema sanitario, non accetterei una società che virasse in quella direzione perché l’uomo ha bisogno di relazioni, di contatti, di empatia. Per le cose da non fare mai più: spero che questa esperienza renda il mondo diverso in termini di accoglienza e uguaglianza. Con la pandemia il mondo occidentale si è trovato ad affrontare lo stesso problema che hanno affrontato popoli più poveri e anche ceti sociali differenti, seppur con innegabili privilegi per i più abbienti, si sono trovati fianco a fianco in questa battaglia. Penso sia stato un buon esercizio di uguaglianza sociale.
Mi auguro che alla fine ognuno di noi abbia fatto un passo avanti nel capire l’uguaglianza dei diritti dei popoli a discapito dell’egocentrismo di cui eravamo intrisi nei giorni precedenti al presentarsi del Covid. Non sono sicuro che questo sia stato capito dai governanti, anzi temo proprio non sia avvenuto, ma credo che un seme sia stato sparso fra i popoli.
Stiamo capendo che si può vivere con meno mobilità?
Ci sono due aspetti. Credo che l’uomo debba muoversi per cui non credo in un mondo meno mobile. Credo invece che ci siano i mezzi per evitare la mobilità inutile che butta via energie a discapito delle idee. Ecco, credo che in questo l’esperienza sia stata interessante e siamo stati tutti bravi a trovare, e a provare, vie nuove che torneranno utili quando avremo la possibilità di scegliere. Però per conoscerti io dovrò venire a incontrarti di persona, vedere dove e come vivi e perché fai o non fai quello che faccio io. Quello non potrà mai essere sostituito.
Ad oggi quali sono state per te le conseguenze immediate della diffusione del Covid-19 sul tuo lavoro e quali pensi possano essere le conseguenze a lungo termine?
La fotografia rimane un oggetto materiale che si esplicita in una stampa e così la intendo. La tecnologia in questo momento di difficoltà ci sta dando l’opportunità di comunicare comunque con la fotografia. È innegabile che in questi giorni si sia potuto approfittare dei mezzi tecnologici a disposizione di tutti per veicolare i contenuti delle immagini. Questo è stato importante perché a volte il messaggio ha tempi che non possono attendere.
Il 25 aprile una mia fotografia, insieme a decine di altre immagini, è stata proiettata sui muri dei palazzi di Milano per raccontare la libertà. Mai come in questo caso, la fotografia è stata tanto grande quanto impalpabile. Hanno potuto assistere direttamente a questi eventi sparsi per la città solo le persone che avevano una finestra che si affacciava su quei muri, eppure il segno è stato lo stesso potente e tantissimi hanno potuto ricevere i messaggi di quelle fotografie attraverso i mezzi tecnologici che avevano a disposizione. La fotografia rimane oggetto materiale ma le storie che rappresenta avranno mezzi per essere veicolate sempre più nuovi. Di questo sono certo.
Marcello Campora è nato a Savona nel 1965 è architetto e fotografo. Il suo lavoro è da sempre incentrato sulle trasformazioni sociali, intese come motore di rinnovamento culturale. I cambiamenti sono raccontati attraverso le storie degli uomini e delle donne che ne sono protagonisti inconsapevoli. Leggere il presente per cercare i messaggi nascosti dalle opinioni stereotipate è uno dei suoi obiettivi principali. Le differenze, l’immigrazione, i mutamenti antropologici e urbani sono i temi ricorrenti dei suoi progetti. Il Museo Santa Maria della Scala di Siena ha da poco pubblicato nella sezione dedicata ai bambini ‘Ti regalo un’idea’, il video della sua favola fotografica “Se il mare viene sulla terra”. Parte di questo lavoro sarà esposto a Milano alla prossima edizione di Mia Photo Fair. La sua attività è raccolta nel sito www.marcellocamporafotografie.it.
Mag22
Giorgio Bonomi da Perugia
La tua nuova ritualità quotidiana… Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Onestamente il Coronavirus non ha cambiato di molto il mio lavoro, a parte la mobilità e l’allestimento di mostre. Non essendo un presenzialista né un mondano ho sempre praticato la lettura e lo studio, attività che in questi tempi ho aumentato, oltre a poter terminare il mio terzo volume sull’autoscatto fotografico, una ricerca più che decennale che ha prodotto i primi due volumi (Il corpo solitario. L’autoscatto nella fotografia contemporanea, Rubbettino editore), decine di presentazioni in musei e università, numerose mostre e il sorgere, presso il Musinf di Senigallia, dell’Archivio dell’Autoritratto Fotografico.
Come immagini il mondo, quando tutto ripartirà?
Il futuro, quando tutto passerà, è ovviamente incerto. Ho paura che si consolidi l’uso “improprio” dei mezzi telematici che sono stati abbondantemente utilizzati in questi tempi, opportunamente per le scuole di ogni ordine e grado, mentre per quanto riguarda l’arte ho trovato fastidiosissimi le mostre online, il postare disegni e disegnini da parte di artisti, spesso meno che mediocri, che hanno trovato l’occasione di vedere il loro nome pubblicato, il discettare degli onnipresenti curatori e critici che, allergici alla lettura, ci hanno propinato ricette più o meno insulse e inutili. I social già avevano ristretto la vera socialità e la serietà culturale, facendo credere ai gonzi che “uno vale uno”, quando le differenze – materiali e intellettuali – non solo ci sono, ma aumentano, per cui speriamo che la pandemia non faccia aumentare i rapporti immateriali che tanto piacciono alla massa degli imbecilli (in senso latino), cioè a quelli che credono al complotto per la diffusione del virus o che vanno alle mostre solo per farsi i selfie davanti alle opere.
Stiamo capendo che si può vivere con meno mobilità?
Non è vero che stiamo comprendendo che si possa vivere con meno mobilità, solo abbiamo fatto di necessità virtù.
Il viaggio, l’incontro, il contatto, lo scambio fisico sono fondamentali per tutti gli uomini, tanto più per chi si occupa d’arte e, a maggior ragione, nella globalizzazione. Non si scambi, però, il viaggio, inteso come “grand tour” con i pur lodevoli scambi Erasmus o le inflazionate residenze, che permettono a giovani o meno di spostarsi dalla Corea al Brasile, dall’Australia alla Danimarca, per cui sanno tutto sulle innumerevoli biennali, sulle centinaia di giovani artisti la cui fama dura “l’espace d’un matin”, ma la cui ignoranza è direttamente proporzionale alle mostricine che curano le cui presentazioni di poche pagine costituiscono i loro titoli “scientifici”.
Giorgio Bonomi è nato a Roma nel 1946, dove si è laureato in Filosofia, vive a Perugia. Dopo un periodo di studi e scritti di filosofia politica, tra cui il libro Partito e rivoluzione in Gramsci (Feltrinelli, 1973) e vari articoli (in “il Manifesto”, “Les Tempes Modernes”, “Problemi del Socialismo”), si è dedicato all’arte contemporanea come critico, curatore (circa 300 mostre), saggista (più di 20 libri) e fondando e dirigendo la rivista “Titolo”. Ha diretto il CERP di Perugia dal 1994 al 1999; la Biennale di Scultura di Gubbio negli anni 1992, 1994, 2006, 2008; dal 2004 al 2007 ha diretto una Fondazione sulla pittura analitica con sedi a Chiavari e Milano; è curatore dell’Archivio dell’Autoritratto Fotografico di Senigallia; dirige la Collana Arte Contemporanea dell’Editore Rubbettino. Sta terminando il III volume, Il corpo solitario, della sua ricerca sull’Autoritratto fotografico che ha esaminato più di 2000 artisti di tutto il mondo.
Mag22
Francesco Candeloro da Venezia
Com’è cambiato il tuo modo di lavorare?
Il mio lavoro si sta sviluppando in appunti, piccoli schizzi per fermare le idee. Disegni per possibili futuri lavori pittorici, non più progetti ben definiti pronti per essere realizzati nei laboratori dove lavoro il plexiglas. In parte è positivo, in parte mi sento in un tempo sospeso. Ma ho anche sviluppato una sorta di gioco creando opere effimere con oggetti di casa e quelle che più mi soddisfano le fotografo con il cellulare, cosa molto distante dal mio solito modo di fare.
Con quali oggetti e spazi del tuo quotidiano stai interagendo di più?
Interagisco molto nello spazio del salotto, con alcuni oggetti della cucina dalle presine per le pentole, i sotto pentola, i sotto piatti sino al grande tappeto presente nella stanza costruendo e smontando autoritratti fatti con questi oggetti.
Abbiamo a che fare con un tempo e uno spazio nuovi. Cosa stai scoprendo o riscoprendo di te?
La mia dipendenza da quello che faccio!
Cosa ti manca? La tua personale esperienza dell’ “assenza” e della “mancanza”
Mi manca andare in studio, stare lì, pensare solo al lavoro da fare o il muovermi nelle aziende dove realizzo gran parte delle mie opere.
Ad oggi quali sono state per te le conseguenze immediate della diffusione del Covid 19 sul tuo lavoro e quali pensi possono essere le conseguenze a lungo termine?
Un senso di attesa ma anche poter stare in una riflessione forzata che può essere la parte positiva perché non sempre sei costretto a rallentare, fermare il tuo modo di lavorare. Elaborare il tempo in un altro modo. Sarà tutto più limitato, le persone saranno meno disposte a incontri con molte persone, penso alle inaugurazioni, per autodifesa e per regole di distanziamento. Da una parte non ci saranno le inaugurazioni dove incontri tutti, diventeranno molteplici incontri con poche persone fino all’arrivo di un vaccino e alla sua distribuzione. Tutta l’economia si è fermata, spenderanno tutti meno. Ci sarà un forte rallentamento nell’acquisizione di opere d’arte da parte dei collezionisti.
Francesco Candeloro nasce nel 1974 a Venezia. L’artista pone al nucleo della sua personalissima ricerca le dimensioni della luce e del colore che, insieme a forma e segno, proporzione, ritmo e movimento, costituiscono chiavi di lettura per approfondire dinamiche temporali e spaziali. Per Candeloro infatti “l’arte è una visione del tempo”, nei diversi tipi di opere in cui si articola la sua produzione. In tutte la luce, naturale o artificiale, costituisce una componente essenziale, proietta ombre colorate e mutevoli nello spazio circostante, a dare vita ad un universo costituito da “visioni plurime”. Candeloro ha esposto internazionalmente in numerose mostre personali, collettive tra i quali il museo archeologico di Napoli, il Museo Fortuny a Venezia, il museo Cascavel per la biennale di Curitiba, alla Biennale della Fine del Mondo di Argentina e Cile, alla Fondazione Atchugary in Uruguay e a Hiroshima per la mostra Il segno del vuoto. L’ultimo progetto realizzato è Occhi del Tempo e Templi di Luce realizzato per i Musei Civici di Bassano del Grappa. www.francescocandeloro.org
Mag23